El compte enrere per a la propera edició de la MET Gala ja està en marxa i, amb ella, arriben els primers detalls d'una nit cridada a tornar a sacsejar el calendari de la moda internacional. El Museu Metropolità d'Art de Nova York i el seu Costume Institute han revelat el codi de vestimenta: “Fashion is Art”, és a dir, “La moda és art”, una consigna que promet transformar l'escalinata del Met en una cosa molt semblant a una galeria d'art vivent.
Lluny de ser un eslògan simple, l'elecció del tema subratlla la voluntat del museu de situar la moda al mateix nivell que altres disciplines creatives. La gala, que funciona com esdeveniment benèfic per recaptar fons destinats al Costume Institute, es converteix així en l'aparador perfecte per reivindicar el cos vestit com a objecte estètic, històric i polític, i no només com un assumpte de tendències passatgeres.
“Fashion is Art”: un dress code pensat com a manifest
El lema “Fashion is Art” no es limita a convidar les celebritats a disfressar-se de quadres famosos o escultures reconeixibles. L'organització anima els assistents a expressar la seva pròpia relació amb la moda com a forma d'art encarnada, jugant amb siluetes, volums, referències històriques i experimentació material per convertir cada look en una obra en si mateixa. Aquesta idea connecta amb les tendències culturals i artístiques que estan redefinint el panorama creatiu.
Darrere del codi de vestimenta hi ha el mateix concepte que articula la nova exposició del museu, “Costume Art”, signada pel comissari Andrew Bolton i el seu equip. Segons ha explicat el mateix curador, la intenció és centrar-se en “la centralitat del cos vestit” a la col·lecció del Met, connectant pintures, escultures i objectes de diferents èpoques amb peces procedents dels arxius del Costume Institute.
A la pràctica, això significa que, sobre la catifa vermella, podríem veure des de vestits-escultura de proporcions exagerades fins a vestits inspirats en moviments artístics concrets, passant per looks conceptuals que utilitzin el cos com a llenç per narrar històries personals, reivindicacions polítiques o exploracions didentitat. La clau no serà només cridar latenció, sinó sostenir un discurs; aquesta relació entre moda i art recorda textos sobre història i emoció a l'art.
La consigna obre la porta també a la recuperació de peces de fitxer i moda vintage, una cosa que porta diverses edicions guanyant terreny a la gala. Els convidats tenen excusa perfecta per bussejar als fons de cases històriques i rescatar dissenys emblemàtics que, per la seva càrrega simbòlica, ja funcionen gairebé com a peces museístiques. A més, moltes d'aquestes referències nodreixen les tendències actuals.
Firmes estretament lligades a l'art, com Schiaparelli, Alexander McQueen, Valentino o la mateixa Yves Saint Laurent, surten amb avantatge per brillar en una nit en què s'espera que el diàleg entre passarel·la i museu sigui més evident que mai. No seria estrany veure picades d'ullet a icones com el vestit Mondrian de Saint Laurent o reinterpretacions contemporànies de motius pictòrics clàssics.
Costume Art: l'exposició que dóna sentit a la nit
Com és habitual, el tema de la MET Gala està vinculat directament a l'exposició anual de primavera del Costume Institute. En aquesta ocasió, la mostra porta per títol “Costume Art” i es presenta com la més ambiciosa del departament en nombre de peces, amb prop de 400 objectes entre obres d'art i peces de vestir.
El recorregut juxtaposa al voltant de 200 obres de la col·lecció del Met —pintures, escultures, ceràmiques i altres objectes— amb unes 200 peces històriques i contemporànies, procedents del fons de més de 33.000 peces de l?institut. La idea és observar l'art mitjançant el prisma de la moda i demostrar que el cos vestit recorre pràcticament tota la història de la representació visual; de fet, la mostra aparella pintures i objectes amb peces de vestuari.
L'exposició s'articula en una dotzena de seccions dedicades a diferents tipus de cos: del clàssic al nu, de l'embarassat a l'envellit, passant pel cos discapacitat o cos corpulent. Bolton ha subratllat que moltes d'aquestes corporalitats han estat tradicionalment marginades o idealitzades al relat de l'art i la moda, i que l'objectiu és qüestionar aquesta visió restringida. De fet, la mostra remet a textos sobre diversitat i representació a l'art.
Alguns aparellaments prometen ser especialment explícits: per exemple, gerros de l'antiga Grècia exhibits al costat de peces que repliquen o reinterpreten les siluetes que hi apareixen, o la combinació de l'escultura “Dona embarassada” d'Edgar Degas amb un vestit de 1986 de Georgina Godley.
Per tal de reforçar la idea que el visitant també forma part d'aquesta narrativa, els maniquins es presentaran amb caps d'acer polit com a mirall, obra de l'artista Samar Hejazi, de manera que el públic pugui veure's reflectit literalment a la mostra i es reconegui —o no— als cossos representats.
“Costume Art” serà a més l'exposició inaugural de les noves Galeries Condé M. Nast, un espai de més de mil metres quadrats annex al Gran Saló del museu, creat a partir de l'antiga botiga del Met. Aquest nou emplaçament permetrà que la moda guanyi pes físic i simbòlic dins del museu, tant pels assistents a la gala com pel públic general; la transformació de l'espai dialoga amb articles sobre mitjans i consum cultural.
La nit de les estrelles: Beyoncé al capdavant de la gala
En el pla del “qui és qui”, la gala torna a col·locar a Beyoncé al centre del focus. L'artista, que no trepitjava les escales del Met des del 2016, torna aquesta vegada com una de les coanfitriones principals, en companyia de Nicole Kidman, la tennista Venus Williams i l'eterna directora de Vogue, Anna Wintour.
L'elecció d'aquest quartet combina música, cinema, esport i poder editorial en una mateixa foto, reforçant la idea que la MET Gala funciona com punt de trobada entre diferents esferes de la cultura contemporània. Per a Beyoncé, que ja ha jugat amb la moda com a declaració artística en nombroses ocasions, el codi “La moda és art” suposa una oportunitat evident per portar aquesta narrativa un pas més enllà; la seva història connecta amb peces sobre moda i cinema.
El Comitè Organitzador de la gala està copresidit pel dissenyador Anthony Vaccarello, director creatiu de Saint Laurent, i per Zoë Kravitz, actriu i cineasta. Al seu voltant, s'ha articulat un comitè amfitrió ampli i heterogeni en què figuren noms com Sabrina Carpenter, Doja Cat, Gwendoline Christie, Alex Consani, Misty Copeland, Elizabeth Debicki, Lena Dunham, Colom Elsesser, LISA, Chloe Malle, Sam Smith, Teyana Wilson, Yseult, Adut Akech, Angela Bassett, Aimee Mullins, Sinéad Burke, Rebecca Hall, Tschabalala Self, Amy Sherald o Chase Sui Wonders.
Aquesta combinació de cantants, actrius, atletes, models, artistes plàstics i perfils vinculats a la diversitat funcional reflecteix la voluntat de la institució de mostrar una visió més àmplia de qui ocupa el centre de l'escena a la moda actual. La presència de Chloe Malle, nova responsable de continguts de Vogue als Estats Units, també serà llegida com un relleu generacional parcial a l'ecosistema editorial que envolta l'esdeveniment.
Com cada any, la llista completa de convidats es manté sota estricte secret fins al mateix dia de la gala. Aquest hermetisme, sumat al potencial interpretatiu del codi Fashion is Art, alimenta l'especulació en xarxes socials i mitjans especialitzats, especialment a Europa, on la gala se segueix gairebé com si fos una gran final esportiva.
Del cos idealitzat al cos real: moda, art i política
Més enllà de la brillantor mediàtica, la proposta curatorial d'aquest any s'endinsa en un terreny que interessa de manera especial al públic europeu: la revisió crítica del concepte de “cos ideal” a l'art i la moda. L'exposició i el dress code connecten directament amb debats contemporanis sobre diversitat corporal, gènere, edat i discapacitat.
Bolton ha assenyalat que el relat visual dominant ha privilegiat durant segles un tipus de cos molt concret: jove, normatiu, estilitzat i sovint blanc. En incorporar cossos envellits, embarassats, grossos o discapacitats al recorregut, la mostra intenta obrir esquerdes en aquesta representació hegemònica i traslladar aquesta discussió també a la catifa vermella.
De cara a la gala, això es tradueix que els dissenyadors tenen marge per explorar noves maneres de vestir cossos tradicionalment invisibilitzats, sense caure en el simple gest simbòlic. La moda, en aquest context, es presenta com un espai on la tècnica i la creativitat poden acompanyar reivindicacions socials molt concretes; fins i tot reinterpretacions culturals com l'art del quimono aporten claus sobre com vestir identitats diverses.
Per a la indústria europea, acostumada a veure desfilar pel Met a les seves grans cases —de Dior a Valentino, passant per les firmes espanyoles que sovint vesteixen estrelles internacionals—, l'edició d'aquest any obre un camp interessant: com traduir la tradició de l'Alta Costura i la sastreria de luxe en peces que funcionin també com a comentari crític sobre la imatge del cos. Aquest diàleg entre moda i poder remet a discussions sobre luxe i representació.
En aquesta línia, el codi “Fashion is Art” també es pot llegir com una invitació a reinterpretar icones culturals i artístiques properes al públic europeu, des del Renaixement italià fins a les avantguardes del segle XX, passant per referències més populars com el cinema, la música o el còmic. La qüestió no serà tant reconèixer l'ullet, sinó avaluar com el disseny aporta alguna cosa nova a aquesta herència.
La MET Gala com a laboratori visual global
La MET Gala s'ha consolidat en les darreres dècades com un autèntic laboratori d'idees visuals que després es filtren a col·leccions, editorials i catifes vermelles de mig món. El codi de vestimenta de cada any funciona gairebé com un briefing col·lectiu per a dissenyadors, estilistes i cases de moda, i el 2026 no serà l'excepció.
Aquesta vegada, l'aposta per la moda com a art posiciona la gala en un terreny especialment fèrtil per a l'experimentació: es preveuen instal·lacions portàtils, peces concebudes com escultures toves, arquitectures tèxtils extremes i col·laboracions directes amb artistes contemporanis. També és probable que apareguin materials inusuals o reciclats que qüestionin la noció clàssica de luxe.
Per a moltes celebrities europees habituals d‟aquesta cita, el repte passa per trobar l‟equilibri entre el risc conceptual i l'elegància que el públic espera. No n'hi ha prou amb un vestit cridaner; cal una narrativa clara que, idealment, connecteu amb el tema de l'exposició i amb la trajectòria personal de qui el porta.
El paper dels estilistes serà, en aquest context, gairebé curatorial. Hauran de seleccionar, encarregar i coordinar looks que dialoguin amb la història de l'art i amb l'obra dels dissenyadors, cosa que, si es fa bé, pot marcar un abans i un després a la carrera dels implicats; per això molts recorren a consells professionals d'estil.
Així, la propera MET Gala es perfila com una nit en què l?espectacularitat visual anirà de la mà d?un discurs més profund. Entre la lluentor de la catifa vermella, la precisió del comissariat i la pressió mediàtica global, l'esdeveniment torna a posar sobre la taula una qüestió que interessa tant dins com fora del món de la moda: fins a quin punt la roba es pot considerar, sense matisos, una forma d'art.
